九月份，冷眼联合单向空间启动了【重塑影像叙事计划】。在第一期沙龙中，严敏、岑俊义两位导演和我们一起聊了创新，聊了焦虑，而第二期沙龙我们想说说“手艺”。

在很长一段时间里，综艺从业者都被认为是“手艺人”，而伴随着技术的崛起、环境的变革，影像行业进入大工业生产时代，表达好像变得不再那么重要，手艺人也逐渐变为庞大机器中的螺丝钉，失去自我表达。

被新概念、新技术反复冲击的我们，要如何平衡内容与技术的关系，是该技术为先还是内容先行？这二者又要如何与当下的时代结合？

在这期沙龙中，我们邀请到了最懂技术的综艺创作者、坚持手艺的影像工匠，爱奇艺高级副总裁陈伟，从他作为各大现象级综艺操盘手的经验出发，以“成为一名影像工匠”为切口，探讨技术、内容与商业的关系。

论媒介

Q1：大家都知道您以前是在卫视工作，而后转至网络平台，那这么多年下来，您觉得在影像方面，传统的电视媒体和互联网平台内容表达，有什么区别？

陈伟：其实影像本质上还是个工具。虽然我们现在把影像这两个字单拆出来，认为它是单独的艺术，或者说它是一个可以单独去思考的项目，但是我觉得除了摄影作品，影像其实更多是表达的一个工具，是我们讲故事的一个工具。

而电视和互联网对于影像的需求，其实没有我们想象中的区别那么的大，因为它还是你的一个表达手段。但是从互联网长视频角度来讲的话，因为它的媒介属性，所以可能有一些互动性的区别。

冷眼：对，像电视就是单向线性的。

陈伟：是的。电视是线性、非常单向的一种媒介方式。所以在这样的方式下，其实是没有回头路的过程。而互联网可以让你回头，暂停，甚至通过快进或视窗进行交互。

那当然这个交互有深有浅，有交互的产品可以有更多的设计。像弹幕或者其他的方式，甚至你的每一次行为动作也是一种交互，包括你的暂停、拖放、倍速等这些，也被我们统计在数据里面。

所以，对于影像来说，不管是在当年的电视媒体还是现在的视频网站，包括未来更多表达介质，它们可能会更虚拟或者更沉浸，可不管到了哪一个阶段，影像对我来说还是表达工具，这个工具用得好与不好，可能会带来不一样的结果，但这么多年来媒介本身的基础逻辑其实没有什么太大的变化。

对于网综来说，互联网视频刚起来的时候，出现了这个概念，并且引发了一些思考：什么样的节目能够放到互联网播出，它的独特性是什么？如果这个节目同样的内容，我放在卫视是不是也能播？它只能放在互联网平台播出的理由是什么？所以，独特性才是所谓网综的一种标准。这里面其实就会涉及到刚刚提及的一些互动关系，它只有在互联网播出，才有可能存在，而这对于电视与互联网的表达影像，会是一个根本性的变化。

Q2：随着近几年的发展，很多制作人走出体制内，在网络平台进行创作。但现在就有一种说法：同样一拨人在做同样的内容，只不过是换了一种媒介方式，那么观众会不会介意这个问题？

陈伟：观众才不介意呢，观众只是想被满足需求。无论是在哪里看，只要满足他的娱乐消费需求就可以了。

反倒是我们行业里边的人在纠结这些。网综、台综、长视频、短视频，对于观众来讲就是娱乐消费产品，观众的衡量标准就是你满足我哪方面的需求，然后觉得你好不好而已。

论技术

Q3：我们之前常说，做节目其实是一个手艺活，但现在随着科技的进步，VR、AR、AI等等技术的介入，让内容的生产和研发发生了极大的改变，也带来了更多的可能。那在您看来，技术和内容的关系到底是什么？我们怎么去面对现在不断迭代更新的技术？如何去处理好这样的关系？

陈伟：这个问题很大，可能没办法通过一下午的时间来讨论清楚。但是对于新的媒介或者新的产品，如何与你的用户产生一种新的连接，这就完全影响到你的创作。

刚才你提到了这个像AR、VR、XR、MR之类的东西。对我来说它们其实更像是一些提高效率的工具。目前阶段它们还不是能够改变表达的成熟手段。

尤其像XR这样的东西，它只是让我们的创作变得更加自由了，有更多的工具和更多的创作手段可以利用了。但是你要知道我们创作的本质是什么？它还是让大家能够看到一个好看的，有意思的，甚至能够带给人思考的好故事。

那在这样的情况下，目前的技术能够赋予我们的创作手段比以前更多了。比如旅行节目，通过无人机与VR的配合，你可以身临其境，像开飞机一样用操作手柄，来完成整个的体验加创作的过程。这段影像给到用户来讲的话，它就像真的是在天上飞一样。

同时，这些与技术相关的创作手段，也让整个创作门槛降低了，这是特别好的事情。或许，未来每个人都可以做出专业影像工作者才能做出的内容。比如说疫情期间拍摄不太便利，我寄给艺人这种GoPro、小云台之类的工具，他们自己就可以拍摄，然后我们再剪辑出一个好故事。

所以，技术是一个可以帮助创作者，让他能够讲好故事的手段。但如果只围绕着技术走，那这个事就有点麻烦。

论成败

Q4：技术是两面的，能提供便利也会带来焦虑。特别是当新的技术产生后，大家可能像要抓住救命稻草一样去尝试，但很多时候是为了试而试，最终结果也不尽如人意，比如特别火的虚拟偶像，这方面有案例来分析吗？

陈伟：你们知道《元音大冒险》吗？这个节目用户画像分析出来的时候我差点笑抽了，这个节目最大的受众人群是小学生，他们当动画片在看。

节目简介：虚拟现实游戏闯关真人秀

《元音大冒险》本质上是爱奇艺整个虚拟技术、虚拟制作和初步元宇宙探索的一次技术积累和尝试。我们想要做一个初步的元宇宙产品，然后，让这个初步的元宇宙产品在移动端和VR端形成单独的体验。

这个节目本质上不是明星耍宝娱乐秀。节目中所有游戏关卡，呈现都是用虚拟的技术来进行制作的。明星们全程身着动捕服录制，而制作端至少会得到几千个小时的高精度动作捕捉数据。而最后这些数据会驱动着你，实现明星虚拟形象制作，并且驱动着十几、二十个虚拟人形成了动作绑定关系。在这种动作绑定的关系下，我们又可以得到十几、二十个高品质的、超写实的虚拟人，作为后续的数字资产。

当我们把这些数字资产放到元宇宙里面后，它们就形成了我们用户可以去体验的形象，那元宇宙的一个初步体验模型也就成立了。剩下就是像做游戏一样了，看我们怎么样把交互、用户体验、视觉等等做得更好。

《元音大冒险》其实就是一个冒险，我们想测试一下在现有的技术条件下，综艺能不能用虚拟的技术形成一个单独的表达方式和用户体验。但诚实来讲，依托现有的技术解决方案，我们还很难做出比真人实景娱乐效果更好的玩法。想象很美好，事实很残酷。从创新的角度来讲，我们总会不自然地把一件事情想得更加美好一点，但是它的代价比你想得更大，不过我觉得对于新技术的探索，踩坑是必要的。因为在这个过程中你会有更深层的体会，对不同周期的不同身份的体会，比如我在《元音大冒险》里，就是节目制作人和总导演、元宇宙应用的制作人和总策划，同时还是VR应用的制作人，一鱼三吃，想的事不一样，实现目的的手段也不一样。

Q6：我们刚刚提到的这些，不管是AR、VR、XR，这些技术其实离我们的现实日常生活还都还有点远。所以当我们把它应用到我们的内容生产里后，会发现不是那么好用，以及它的性价比没有那么高。那么有没有稍微接近一点，或者说性价比更高一点的一些技术探索，在您过往的项目里面有没有过其他一些技术的有趣的尝试？

陈伟：我的项目经验里，爱奇艺为爱尖叫晚会算是一个有意思的技术尝试吧。

爱奇艺为爱尖叫晚会

那个晚会最大的特点就是用户可以随意选择你想看什么。

大家知道手机屏幕的尺寸比例是多少吗？大概有两种通用的比例，2.39:1和2.16:1，它们都比16:9更长一点。

而这意味着什么？在这样的比例下，你的屏幕的左边和右边，会有两块黑边，它其实挺多余的，却引起了我的注意。因为我突然想到了第一届春晚的呈现模式，一种非常简单但很有趣的模式。

第一届春晚搭了个舞台，把当时全中国最国民的艺人都找了过来，然后让观众点播节目。李谷一还是郭兰英还是殷秀梅？你想听他们唱什么歌？你想听姜昆说什么相声，在现场你可以点，不在现场你可以打电话，接线员会把观众需求写成纸条交给副导演，副导演就再把这些纸条交给总导演和领导去选。

这种玩法，本质就是快速决策和互动。

我就是从这个出发点来做的爱奇艺为爱尖叫晚会。观众会好奇晚会的幕后，但在以前的呈现方式中，我们最终只会看到舞台上的表演。那我们其实可以借用屏幕上这个“多余”的空间，把更多观众好奇的内容呈现出来。

那什么又是用户最便捷、最容易的交互方式呢？就是往上滑，往左滑，往右滑，或者触屏点击。所以，我们就想把屏幕两边那两条黑边用上，把这两条黑凑在一起，在这个“多余”的空间下，在屏幕右侧分出3、4个交互画面，呈现晚会幕后。它们和主屏幕一样，是动态的、实时的。

观众可以随时切换他们想看的内容，而且你可以cue嘉宾去做什么，去和其他人互动、去排练室等等，这相当于四台晚会同时诞生，而且又有关联。用户看得会很过瘾，我们做这个事情也很过瘾。

但这中间其实有很多困难的地方，比如清晰度、交互的流畅度，考虑到观众的手机性能不一致可能会有影响，我们后面还运用了云端缝合的方法，整体耗时七八个月才完成了实现了最终的呈现效果。讲太多技术可能大家就开始听不懂了，听不懂没关系，你会发现这台晚会的一系列的技术开发和尝试，其实还是回归到了用户最本质的需求，就是我想看什么内容，我想看的你能不能给我，能不能快速给我实现。

观众想看什么，就给他看什么，这是最简单的创作意图。

论生产

Q7：回到综艺现在整个的研发环境，大家还是非常焦虑，不管是哪个工作、工种，总是处于很迷茫的状态。您觉得这种迷茫和焦虑的原因是什么呢？

陈伟：我觉得综艺之所以处在比较低的位置，且整个行业目前普遍没有信心的原因，可能还是商业模型、商业模式的问题。

综艺的问题本质上是生产力和生产关系的问题。我们创作者会觉得现在的商业模式不适合创作，是创作的桎梏。“我想出一个好的东西来，觉得用户应该想看，但是广告不买单，我觉得如果不是因为广告的问题的话，我们应该能创造出更好的东西来”很多人都这么想。

那这就到了一个要重新审视生产力和生产关系的时候了，生产力确定生产关系，但是生产关系也反作用于生产力。现有的商业模式是反作用于你这个行业的，你面对的商业模式为你带来了困扰，但这是你自己、是整个行业这么多年造成的。

所以，未来你不想提升生产力，那么生产关系就永远变不了。对于创作者来说的话，我们就是要创作出更能够满足C端用户强需求的内容产品，才有可能促成C端用户的直接付费或者让C端用户的付费收入慢慢提升起来，足以跟B端的广告收入进行平衡甚至抗衡，你才能够慢慢地优化改良你的商业模式。

冷眼：就是让整个综艺行业收入的比例结构发生一个调整。

陈伟：对，结构优化，结构调整。从严重依赖于广告，95%的收入来自于广告，变成慢慢让会员的收入，C端的收入，后链路的收入加在一起，其他收入的比例能够变成一个更大的值。

冷眼：对于平台来说，这个行业确实需要发展很多的创新的东西，平台需要有这样的责任，如果连平台也去做一些就是相对安全的内容的话，那这个行业真的很丢人。

陈伟：确实是，我是持这个观点的，刚刚说的关于虚拟技术的这些，我觉得算是一个偏理想化的一种尝试。需要平台去做这件事，一家制作公司怎么可能去研发半年去搞这个事情，可能研发完这家公司就没了。虽然对于平台来说需要有一些运营角度的考量，但从根本来说还是需要平台来去担任这个角色。

我觉得721是一个很好的比例，就是70%产品去符合现在的需求，20%的产品去做一些高品质探索，10%的产品做一些超前的研发。对我来说就是721是我在人生或者职场当中，做选择的一个黄金比例，我在创作一个节目的时候也是一样，70%是符合正常娱乐需求的，20%是我觉得是超出平常的品质内容，我的导演表达最多只占10%。

这行业缺一个英雄，因为道理大家都懂，但是没有亲眼所见，谁也不信。当第一个人或者一个作品能够真的让大家感觉到了C端收入是综艺未来的希望，你做更高品质的，更有可看性的，更有戏剧性的内容，让大家像追剧一样去追一个真人秀，甚至愿意为他付费的时候，那么整个行业就会相信这是对的。