曹郁的影像风格以“诗意的写实主义”著称，他通过光影创造出独特的银幕体验，将现实的质感与诗意的美感完美交织。在他的镜头下，观众得以进入一个细腻而深沉的情感世界，这个世界既扎根于真实，又散发出梦幻般的诗意氛围。他善于运用光影、色彩与构图的精妙语言，赋予影像强大的叙事力量与情感深度，勾勒出属于他的“光影世界”。这种光影的艺术表达，既是他作品的标志，也是他创作探索的不懈追求。

12月8日下午，郑照君主持第六届海南岛国际电影节大师班，曹郁以“我的光影世界”为主题，与观众分享了他的创作历程，以及隐藏在“光影世界”背后的艺术哲学与实践经验，带领大家一同探寻他在光影之路上的心灵轨迹。

曹郁开场便提到他对电影的理解：“电影就是一个梦的艺术，我感觉在艺术类型里没有比它更像梦了。”他认为“没有所谓真实的电影”，即使是纪录片也需要经过选择和剪辑，电影的魅力在于它能够捕捉并再现那些超越现实的瞬间。“我希望观众看到从头到尾就是一个梦，整个就是一个梦。”他的这些观念深刻地影响着他的创作方法，在逐渐形成其独特的“诗意的写实主义”影像风格。

选择“我的光影世界”作为主题，一方面源于他对“电影：梦的艺术”的理解，另一方面也因为光影在他的电影创作生涯中有着重要地位，每部电影都像是他生命中的一个章节，在光影世界里带给他新的感悟和成长。

“年轻的时候就是要大胆去做各种尝试”

曹郁回忆起自己对摄影的热爱始于初中时期，当时观看《末代皇帝》（1987）后，他被电影中的视觉效果深深震撼。他分享了自己早期的作品，一段在高中时期用摄像机拍摄的短片，内容简单，只是一些云和太阳的画面，却展现了一个少年对世界的好奇和渴望表达。

曹郁的职业生涯起步于与先锋戏剧导演孟京辉的合作，拍摄《像鸡毛一样飞》（2002）。他回忆说：“那是我第一次跟一个有名的导演合作觉得挺紧张的。”尽管缺乏经验，他依然勇敢地将所有新奇的电影手法融入作品中。“年轻的时候就是要大胆去做各种尝试，哪怕现在看有些做法挺幼稚，但那都是成长的必经之路。”

《可可西里》（2004）是曹郁进入电影行业后的首部重要作品，其拍摄过程充满艰辛。与陆川导演一同选景时，他面临着诸多挑战。拍摄地恶劣的自然环境，包括高原反应、没电以及有限的设备，让拍摄难上加难。仅有两个摄影机、三个镜头和一组轨道，条件如同学生作业般简陋，这使他陷入了创作困境，长时间无法找到解决方案。

然而，经过深思熟虑，曹郁意识到需要放下自我设计，向大自然学习。他之前未深入研究过拍摄主体，也未将剧作内容与自然环境充分融合。于是，他决定顺着大自然的感觉拍摄，根据不同时间和气候选择拍摄时机，以自然光影赋予画面表意性，从而营造出与剧作相契合的氛围。

这部电影的成功对曹郁意义非凡，不仅为他赢得了摄影奖，更重要的是打开了他的内心。他感慨道：“在拍摄《可可西里》时，大自然召唤了我，后来有了那样的感觉，自然给了你生活的答案。”这部电影让他领悟到摄影好坏不仅取决于造型能力和技术手段，更在于能否读懂剧作并与之贴合，这对整个电影创作团队都至关重要。

与《可可西里》中自然环境为关键角色不同，《南京！南京！》（2009）里“人性的风景最重要”。为突出这一点，曹郁考虑用黑白胶片拍摄，因为黑白具有“提纯感”，能让观众将注意力集中在演员的“眼睛”和“脸”上，“这是一部关于脸的电影，而不是关于一个环境的电影”。

“你需要把想法变成可视化的东西”，为了说服投资方和合作伙伴，他们制作了彩色和黑白两种试片，最终，他们根据试片效果确定了黑白胶片的拍摄方案。

进入拍摄阶段后，面对充足的预算和丰富的设备选择，曹郁却陷入了焦虑。尽管初始试片配置豪华，但效果“不是那么的精彩”，让他感觉黑白摄影“有点装的感觉”。于是，他尝试肩扛摄影进行试拍，陆川也认可这种拍摄方式带来的独特感觉。曹郁解释说，肩扛摄影如同用手机拍摄视频，是一种“完全的即兴的反应”，能让摄影师一个人决定画面的所有运动，赋予影片更强的现场感和真实感。

《南京！南京！》的拍摄长达八个月，这一过程让曹郁获得了独特而难得的体验，他感受到一种前所未有的“松弛感”。他表示，“不是因为你已经当时得了奖怎么样，你很松弛，而是在于你太关注内容了，你太喜欢这些演员了，你已经忘了你自己，所以自然就变得松弛了”。这种松弛感不仅让他在拍摄中更加投入，也为影片增添了独特的魅力。

曹郁认为，好的电影就像是一段段生活，《南京！南京！》让他仿佛置身于 1937 年的南京。他感慨电影创作的奇妙之处，“电影是自己把自己拍出来的”，当影片呈现出理想效果时，那种感觉如同电影有了自己的生命。

曹郁直言《八佰》（2020）是他拍摄过“最复杂的一个电影”，其战斗题材与《南京！南京！》相似且为超级大制作，给他带来了巨大的创作难度。在创作思路上，他认为影片核心在于“光明与黑暗的对比”，正如他在摄影阐述中引用的“最黑的夜里有最亮的光”，这一理念贯穿全片，尤其在夜晚场景中体现得淋漓尽致，生死的较量通过光影的反差得以凸显。

为避免重复自我，曹郁决定不采用黑白摄影，而是打造“彩色的黑色电影”风格。他将南岸设计得色彩感更强，参考了索尔雷特等摄影作品以及纽约、巴黎等地的景致，同时以上海建筑为基础，通过南岸色彩与仓库内残酷战斗场景的对比，强化视觉效果，让光从象征生的南岸照入北岸仓库，营造出独特的氛围，使观众能感受到希望与现实的冲突。

影片的成功离不开集体的力量，曹郁感慨，《八佰》让他深刻体会到电影是集体力量的结晶，拍摄过程中那种难以言喻的默契和节奏，仿佛受到“电影之神的召唤”，每一个瞬间都恰到好处，完美呈现，让他对电影创作充满敬畏之心，这部作品也成为他创作生涯中的又一重要里程碑。

在《八佰》之后，曹郁迎来风格截然不同的《脐带》（2022）。因原摄影师中途离开，曹郁临危受命接过拍摄重任。对比极为鲜明，从《八佰》的两千台灯到《脐带》仅有的十二台，骤减的配置让习惯大场面的他“很不适应”。

虽说条件简陋，甚至比当年的《可可西里》还“精简”，只剩一台航拍机，但曹郁却收获了前所未有的轻松。没有上千群众演员候场的压力，拍摄回归质朴，倚仗大自然的自然光，月光成了背景光，片场燃着真实的柴火，赋予画面别样的烟火气。曹郁直言：“《脐带》对我来说是一个很重要的电影，我觉得自己拍得还挺好的，算是代表作之一，因为它又让我找到了从前一部分的我。”

这部电影于曹郁而言，有着特殊意义，给了他关于生和死的答案。拍摄期间，曹郁的母亲去世，沉重的打击没有击垮他，反而将这种情感融入影片创作之中。影片尾声恰是一场儿子与母亲的离别戏，彼时刚从北京医院赶回的曹郁，收起悲痛，冷静投入拍摄。“每个镜头都是我自己设计的去拍，你觉得特别像母亲利用这个电影的载体，像教小孩走路一样，先迈左腿，再迈右腿，每个镜头像迈了一步一样，教你每一步怎么往下走”，这场戏饱含深情与释然，拍完天色破晓，曹郁站在内蒙原野，望着仍冒余烟的片场，心生茫然，却又似有所悟，“感觉你似乎获得了什么东西，这个东西就是我们在电影里面的那些冒出的光，火堆里面冒出的那些火星，随着风飘散的时候，你突然觉得生命就是这样，你可以永远地往前走”。

从最初的短片到最近的作品，这些电影跟他人生的很多节点是重合在一起的。在曹郁看来，“电影就是一生的事，电影就是一个最完美的梦。”

在互动环节，曹郁与观众积极互动，解答了多个电影创作相关问题。对于青年导演创作中设备资金有限的问题，他建议“对于非影院放映的学生毕业作品，摄影机选择较灵活，关键是踏实拍摄，要尽可能找到好的合作者，比如演员、摄影师等，因为‘人永远比机器重要’，这对实现个人风格最大化至关重要。”

有观众问到在创作过程中如何平衡艺术追求和商业考量，曹郁回答：“其实在我看来，好的艺术和商业并不冲突。就像我参与的一些影片，虽然要考虑商业因素，但我始终坚持在视觉呈现上要有独特性和艺术性。只有拍出有品质、有深度的画面，才能吸引观众走进影院，从长远来看这也是一种商业成功的保障。”

曹郁从他个人的具体创作实践出发，深入到生命历程的感悟，在本次大师班上充分展现其“诗意的写实主义”影像风格，为电影从业者和爱好者提供了宝贵的经验与启示，也为电影艺术的发展注入了新的活力与思考。期待未来电影创作者们能在借鉴这些经验的基础上，不断创新，为观众带来更多精彩作品。