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在音综里，《声生不息大湾区》的登场曾如同一颗划破夜空的流星，燃起了观众对港乐复兴的炽热期待。

首期节目宛如一场华美的音乐盛宴，精彩的演唱、动人的旋律以及歌手们的深情投入，让无数乐迷沉浸其中，仿佛时光倒流，再次感受到了港乐黄金时代的辉煌魅力。

然而，当第二期竞演的帷幕徐徐拉开，期待的高潮却瞬间跌入了失望的谷底，观众们迎来的不是更加精彩的音乐对决，而是一场声乐质量的“滑铁卢”，引发了如汹涌波涛般的吐槽与质疑。

从整体的节目编排来看，此次竞演似乎迷失了方向，过度倾斜于商业考量，而将声乐的专业性束之高阁。

卫兰、古巨基、陈小春等一众在港乐乐坛举足轻重的人物，本应是舞台上引领音乐潮流、展现高超技艺的核心力量，却在本期节目中被赋予了一种尴尬的角色 —— 新人的“陪衬者”。

他们的存在，更多地像是为了助力那些资历尚浅、唱功有待打磨的新人获取曝光机会，而不是以自身的音乐实力去推动一场高水平的声乐竞赛。

这种本末倒置的安排，无疑是对节目专业性的一种严重削弱。

例如，在节目进程中，我们看到这些前辈歌手常常需要迁就新人的能力水平，无论是选曲的调整还是演唱方式的妥协，都使得原本应该精彩纷呈的音乐碰撞变得平淡无奇。

港乐固然有着深厚的商业底蕴和娱乐化传统，但绝不能因此而忽视了音乐本身的艺术价值和专业要求。一个成功的音乐节目，应当在商业与艺术之间找到平衡，而不是让商业利益完全侵蚀了艺术的纯度。

新人的表现，更是成为了本期节目中无法忽视的 “痛点”，李治廷与李昊的演唱表现尤其令人堪忧。

先剖析卫兰与李治廷合作的《灰色轨迹》。

黄家驹 Beyond 原版的《灰色轨迹》以 A 调呈现，其 A4 的高音堪称经典，那是一种凝聚着摇滚灵魂的呐喊，充满了力量与情感的宣泄，能够瞬间点燃听众内心的激情。

在声乐的科学体系里，男女歌手在合作演唱时，调式的选择至关重要。对于卫兰这样实力强劲的女歌手而言，面对男歌手的 A 调，常规的做法是上升五度至 E 调。

因为这样的调式转换能够充分发挥女歌手在高音区的优势，使她们能够以更加饱满、富有张力的嗓音去诠释歌曲中的情感深度和艺术美感。

然而，在本期节目中，令人大跌眼镜的是，他们选择了降 A 调。

这一决策背后的无奈根源便是李治廷的唱功局限。

李治廷的最高音仅能勉强达到 Ab4，面对原调的挑战，他显然力不从心，于是只能通过降调的方式来勉强应对。但这种降调的处理方式，却给整个演唱带来了一系列灾难性的后果。

在演唱过程中，李治廷暴露出了诸多唱功方面的问题。

他的声带闭合能力欠佳，导致声线缺乏稳定性和集中度。

在发声时，时而出现漏气现象，使得声音变得虚弱而无力；时而又因为发音位置的随意改变，让音色变得斑驳杂乱，毫无统一性和连贯性可言。

在处理歌曲中那标志性的高音 1 到 7 和 6 的旋律下行段落时，他未能理解和运用正确的腔体共鸣技巧。

正确的做法应该是通过良好的腔体连奏思维，使声音在不同音高之间流畅过渡，从而展现出旋律的优美下行线条。

然而，李治廷却在蓄力高音 1 的 Ab4 之后，不合时宜地进行换气，额外增加了一个气口，这一失误直接破坏了旋律的连贯性和美感，使得原本充满情感张力的旋律变得支离破碎，听众也难以从中感受到歌曲应有的情绪感染力。

即便我们所听到的是经过后期修音处理的版本，但从这些演唱细节中，依然可以想象出在现场演唱时，那种混乱和不协调的画面。

最终，这首有着卫兰这样强大声乐支撑的歌曲，却在竞演中遗憾地名列倒数第一，这一结果充分反映出了演唱过程中的种种问题。

李治廷作为一名歌手，在声乐技巧的掌握和运用上，还有着漫长的学习和提升之路要走，他目前的水平显然还难以适应这样高水准、高竞争的音乐舞台。

再把目光聚焦到古巨基与李昊的《奔向未来的日子》。

节目刚开始，李昊尚未开口歌唱，泪水却先夺眶而出。

这一情景或许是他为了营造某种情感氛围，但在音乐竞技的舞台上，观众更期待的是用歌声来传递情感，而非仅仅依靠外在的表情表演。

当真正进入演唱环节，李昊的问题便一一暴露。

古巨基凭借其丰富的演唱经验和扎实的声乐功底，在演唱中保持了相对稳定的发挥，为整首歌曲奠定了一定的基础。

然而，李昊却在独唱桥段中表现得差强人意。

他似乎过度关注自身在舞台上的形象塑造和情感表达的外在形式，而忽略了歌声作为音乐核心载体的重要性。

他的咬字不够清晰准确，声线平淡无奇，缺乏应有的起伏和变化，无法有效地传达出歌曲的情感内涵。

在腔体运用方面，他的声压明显不足，导致声音在整个音乐声场中显得微弱而模糊，观众很难从中捕捉到他对歌词和旋律的深刻理解与独特诠释。

在当今竞争激烈的音乐竞技环境中，这样的演唱表现无疑是难以立足的。

与专业歌手相比，他在声乐技巧、情感表达以及舞台掌控等方面都存在着较大的差距，未能给观众留下任何深刻的音乐记忆点，也没有展现出作为一名歌手应有的实力和魅力。

除了这两组表现较为突出的新人问题外，其他几组的演唱也存在着不同程度的瑕疵。

薛凯琪与周笔畅的组合，虽然在整体的演唱效果上相对较好，但薛凯琪过重的修音痕迹却成为了一个明显的短板。

过度的修音使得她的声线失去了自然的质感和真实的情感表达，仿佛被禁锢在了一个人为修饰的框架之中，在伴奏与周笔畅的声场之间显得格格不入，无法与其他元素形成有机的融合，从而影响了整首歌曲的艺术感染力和表现力。

李宇春，作为一名有着专业音乐教育背景的歌手，本应在声乐技巧和艺术表现上有着更高的水准。

然而，在本期节目中，她依然未能突破自身长期存在的问题。

声压偏低使得她的声音在合唱或与其他强大气场的歌手搭配时容易被掩盖；存在的漏气现象影响了声音的纯净度和稳定性；音域狭窄则限制了她在选曲和演唱风格上的多样性和创新性。

多年来，她在唱功上的停滞不前令人感到困惑，尤其是与同是四川音乐学院出身且在声乐领域取得显著进步和成就的谭维维相比，差距愈发明显。

回春丹、陈小春以及黄子弘凡等歌手，在本期节目中的表现也未能达到观众对声乐竞技舞台的期望。

他们的演唱缺乏亮点和突破，在技巧运用、情感表达以及舞台互动等方面都没有展现出足够的竞争力，未能为节目增添更多的精彩和惊喜。

综合来看，《声生不息大湾区》第二期节目陷入了重重困境。

人员的大规模变动打破了首期节目所建立起来的默契与平衡，新加入的歌手与原有阵容之间缺乏有效的磨合与协作。

更为严重的是专业表现的全面下滑，从编曲的创意匮乏到歌手在各个声乐环节的失误，都使得节目失去了其应有的艺术魅力和竞技性。

港乐本身在唱功积累方面就相对薄弱，相较于内地有着庞大的专业音乐教育体系和丰富的音乐人才储备，港乐的发展更多地依赖于其独特的音乐风格和娱乐化的市场推广。

然而，本期节目却过度依赖商业手段来捧新人，而忽视了对新人声乐能力的严格筛选和培养，以及对整体节目声乐质量的把控。

这种做法不仅损害了节目自身的品牌形象，也让观众对港乐的未来发展产生了担忧。

对于内地市场而言，其音乐生态环境与港乐有着显著的差异。

内地拥有数十万经过系统专业训练的音乐生，他们在音乐理论、声乐技巧等方面接受了全面而深入的教育；同时，还有数千万热爱声乐和器乐演奏的业余爱好者，他们对音乐的热爱和参与形成了一股强大的文化力量。

在这样一个对音乐专业性有着极高要求和敏锐感知的市场中，观众对于音乐节目不再仅仅满足于娱乐化的表面形式，而是更加注重音乐本身的艺术质量、演唱技巧以及情感表达。

本期《声生不息大湾区》的表现，在内地观众眼中，无疑是一场缺乏诚意和专业水准的演出，就如同一场业余的音乐聚会，难以引发观众的情感共鸣和对港乐的深入认同。

尽管本期节目遭遇了如此严重的问题，但我们不应仅仅沉浸在对过去失误的批判和失望之中，而应该积极探寻解决问题的方法，为《声生不息大湾区》的未来发展指明方向。

节目组首先需要深刻反思自身的节目定位和制作理念，重新确立声乐专业性在节目中的核心地位，减少商业因素对音乐创作和表演的过度干扰。

在新人的选拔和培养方面，要建立更加严格和科学的标准，注重挖掘那些真正具备声乐潜力和天赋的新人，并为他们提供系统、专业的声乐培训和指导，帮助他们在短时间内提升自己的演唱水平，而不是仅仅将新人作为吸引眼球的工具，仓促地推上舞台。

同时，歌手们自身也应该增强对声乐艺术的敬畏之心，不断努力提升自己的演唱技巧和艺术修养。

无论是通过日常的刻苦练习、参加专业的声乐培训课程，还是与其他优秀歌手进行交流与切磋，都应该以追求更高的音乐艺术境界为目标，以更加严谨、专业的态度对待每一次的舞台表演。

只有节目组、歌手以及整个音乐行业共同努力，才能让《声生不息大湾区》在未来的发展道路上走出困境，重拾观众的信任和期待，再次成为展现港乐魅力、促进内地与香港音乐文化交流与融合的重要平台，为广大观众带来更多真正具有艺术价值和感染力的音乐作品。

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