本季有这样一场秀——

秀后有人激动地在现场高喊：“The king is back.（国王回来了。）”

它被著名时尚评论人 Suzy Menkes 称为“经典”启幕。

被《VOGUE》的全球总监 Nicole Phelps 评价为“是一个圆满的时刻，也是一个诱人的新开始。”

也不负众望地收获了众多好评。

没错，我说的正是本季时装周业界最为期待（没有之一）的 Valentino 2025 春夏大秀，也是创意总监 Alessandro Michele 阔别两年重返时尚圈的首秀。

“米妃”回宫，那自然少不了老友相迎。

之前就常伴 Michele 左右的两位—— Harry Styles 和 Jared Leto 惊喜现身秀场。此刻为再次出发的好友站台的他们，也一如既往地完美消化了 Michele 的作品。

他们所穿的是 Michele 加入品牌仅两个月后火速发布的 Valentino 2025 早春度假系列，声势浩大的 171 套成衣，我们看到他对美的提炼，依然精致细腻，带着强烈的装饰主义。

这一系列无疑也为三个月后——这场镁光灯不断的春夏秀场带来了最好的预热。除了两位老友，来自各国的明星们也都纷纷上身演绎了 Michele 打造的“优雅衣橱”。

品牌代言人杨紫穿着千鸟格纹套装登场，是饶有韧劲的法式复古名伶。另一位代言人关晓彤选择了一身钉珠刺绣裙装，造型亮点在于头巾，揉杂了华贵复古与嬉皮感。

女明星里最让我眼前一亮的当属郑秀文，混搭玩得自然松弛，俊逸翩然，完美点题了 Michele 时装宇宙里的“性别流动”主义。

男明星方面，张晚意选了一套复古印花正装，廖凡则穿了一身更强调休闲感的造型，新人前辈先后登场，不拘年龄，反倒营造出一种跨代的趣味感。

对于这场秀的期待，早在半年前就已开始酝酿。今年四月，Valentino宣布将 Alessandro Michele 纳入麾下。

以过去十年为时间轴，Alessandro Michele毫无疑问是时尚界最具影响力的创意总监（或许没有之一）。他以极繁主义美学和文艺复古风格大胆颠覆了当时主流的极简主义风潮。

在离开前东家后，行业一直密切关注他的动向，不同于很多人预测的自创品牌，Michele选择了再次加入时装屋。

当 Valentino 这个名字出现时，背后的缘由也随之浮现。Valentino自诞生起便与高级时装紧密相伴。在这个被快消主导的时代，Valentino依然能够在“高定”领域占据一席之地，保持着一种纯粹而原始的匠人精神。

在完成早春系列时，Michele曾说：“Valentino从来不是极简主义者，而是极繁主义者，即使是在他线条最简洁的 1970 年代。”

显然，Michele在 Valentino 找到了深深的共鸣。这里给予了他继续追求浪漫与梦境的自由。

同时，回顾整个行业，为什么大家如此关注这场秀？当然，Michele的明星效应以及强强联手的吸引力是显而易见的原因。但如果跳出个体视角，站在更广阔的时尚格局中，我们能看到更深层次的背景。

近几年，行业在时代动荡的背景下也不断经历变化。各大集团的顶层管理频繁更替，许多曾经备受追捧的创意人才相继谢幕，时尚本质所需的“耐心”似乎总是被“商业利益”提前阻挡。

在即将离开前东家时，Michele的极繁主义风格已经开始受到质疑和讨论。这次他以声势浩大的方式“回归”，似乎正是对那些质疑的直接回应。

时机选择得恰到好处，这种场面甚至带有一种“昔日重现”的错觉。当下，“静奢风”正盛行，时装行业乃至全球风潮又在趋向“安静”。

时尚圈迫切需要一股打破沉闷、挑动精神力量的风暴，来冲击这逐渐陷入保守的时尚困境。正如 Michele 在秀前预告中所写：“美可以作为一种解法，用以消除我们因命运的短暂和不确定性而产生的痛苦。”

时尚，除了作为商业的工具，还能作为什么？带来什么？Michele的回答是，在“售梦”之前，先“造梦”。

然而，这些沉淀已久的美学与情感能否在 Valentino 被恰当地消化、融合，并形成独特风格？

种种混杂着好奇与期待的问题，都以这场秀为索引，揭开帷幕。

Alessandro Michele向来都知道如何献上一场大戏，他也知道如何去以时装秀来完成一场关于时尚、艺术、文学和美的造梦仪式。

其中的起承转合，呼应点题，甚至是隐藏彩蛋，都以无比精致且完整的形式，缜密编排，就像是时尚界里的古典戏剧大师或是文艺片天才导演那样，经验老道，把控全局。

在大秀尚未开始时，你就可以感受到其中强烈的戏剧属性。

预告片中，一本乐谱被打开，钢琴师演奏于一架老旧的钢琴之上，当琴键被按下时，我们没有听到悦耳的钢琴声，反而是玻璃被击破而发出来的碎裂声音，令人意想不到。

而这个答案直到大秀当晚，才得以揭晓。

秀场里，幽暗的空间之中，昏黄的灯光成为点状光源，让一切看上去是那么的朦胧怀旧，就像是库布里克的作品《巴里·林登》里对光的使用那样，像是真正将时光倒回。

四周的复古家具和装饰物，被白布所遮盖着，更加重了这段尘封岁月的真实感，等待人们去发现揭晓、去焕发新生。

随着大秀开始，模特在同暗夜里的鬼魅在幽暗里走出，背景音乐的《Passacaglia della vita》有着空灵的女声重唱，结合充满宿命感的弦乐组和庄严的打击乐，显得圣洁且充满宗教性。

这是一首来自 17 世纪意大利作曲家 Stefano Landi 的帕萨卡利亚（Passacaglia）形式乐曲，充满了巴洛克时期音乐的典型特征，其中结构性变化的低音旋律，带来创造了一种永恒的感觉，如生命的循环往复，优雅又深沉。

原曲歌词主题，以从容的方式揭示，无论生活如何变化、充满挑战，终点都不可避免地归于结束，温柔的音符留下对人生的释然与从容。

但在这场大秀里， Alessandro Michele 但却巧妙地将原歌词中的“Death”替换成了“Joy”，赋予了这首曲子全新的情感层次。

本是对生命短暂和死亡的释然，在重绎下成为对生活欢愉的歌颂，映照出这场回归大秀里向美与欢庆的礼赞。

每一束从纱幕后透出的光线，像是冲破夜与雾那样，眼前的一切也越发明亮。

这时你可以看到模特们走过的地方，或者说整个秀场的地面，都是碎裂镜面。

这是来自 Alfredo Pirri 的装置艺术作品《Passi》，他通过以碎裂的镜面形式，展示了人与自我、空间、历史之间的微妙关系。作品铺设在地面上，观众踏步其上，随着脚印与裂痕的出现，作品不断演变，这种互动成了作品的核心。

高级时装同样也是如此，随着穿戴使用，也完整了作品本身。

这件作品从意大利古老建筑中，到现代博物馆展厅，如今抵达 Alessandro Michele 的 Valentino 秀场，形成了一个多层次的艺术表达，将视觉、空间和个人体验巧妙融合，在象征着自我的审视和打破的破碎镜面的反射倒影里，带来了跨越时空的共鸣。

意大利曼图亚德泰宫

镜面映照出整个空间，折射在白纱和服装上留下斑驳阴影，带来脆弱又灵动的视觉效果。

不仅是物理上的碎裂，更像对流行趋势的击破，带来不断变化与重塑的隐喻。

每一步都是在与过去的对话，每一处裂痕也都象征着破壳般新的开始。

作为时尚圈最爱“掉书袋”的创意总监，真正的文人墨客，高阶文青，Alessandro Michele 在 Valentino 2025 春夏大秀中，同样围绕着“美”进行了深刻哲学探讨。

其中他就提到了法国浪漫主义时期著名的诗人、评论家 Théophile Gautier 所提出的 —— “真正的美是没有任何目的的”，来呼应他个人的美学理念。

Théophile Gautier关于 “为艺术而艺术”（L'art pour l’art）的倡导，也就是“艺术的终极目的是美，是纯粹且独立于道德、政治或社会功能之外的。”

这对后来的美学主义运动，产生了深远意义，同样也影响着对美有着近乎狂热痴迷的Alessandro Michele。

就像这个有着精致的细节和色彩搭配的系列中，美不仅是视觉愉悦，更是一种深层的感知体验，就像花朵的绚丽色彩是为了授粉服务，一种近乎本能的欲望。

这同样也呼应了文艺复兴时期著名哲学家 Michel de Montaigne 关于“自然界没有无用之物”的观点，以哲思形式，表达做为创作者自我认同。

正所谓存在即合理，那些标志性的繁复细节，华丽的装饰性元素，天马行空的搭配处理，都显现着个人风格的毫无保留的倾吐表达，并到达了峰值。

看似混沌无序中堆砌，实则却是以极为错综复杂的脉络，串联成如宇宙般浩瀚，宛若关于美的太空歌剧。

Alessandro Michele始终认为 “美”作为一种启示，能够为我们在混乱和虚无中带来意义。

就像他为这场大秀取名“Pavillon des Folies”那样，字面意思翻译为“狂欢之亭”。

这个词让人联想到 18 世纪法国宫廷和贵族的花园建筑，往往用来作为贵族休闲、娱乐和社交的场所。这也也隐喻了一个充满欢乐、自由氛围的应许之地，象征着追求享乐和希望美丽的生活态度。

这就是为什么，许多人会受到到他的“不变”和坚持。

时装设计自始至终对他而言，就是对美的捕捉与再造，也是对自我和感知，诚实且深入的探索，他希望借此最终引发大众对美本质的不断思考。

以极繁主义美学为主线，Michele 用丰富的细节和层次化的设计语言，传达他对美的独特理解。

通过复古的轮廓、华丽的面料、精致的工艺以及大胆的色彩搭配和装饰法则，再一次对当下潮流规范和限制进行冲击，将设计转化为一场视觉上的狂欢。纯粹之美，就是他出鞘的利刃。

他也向来喜欢通过复杂的符号和隐喻，将自我、历史和时尚交织在一起，构建起一个多层次的美学空间。

在这个过程中，个人风格无疑占据了主导地位，尤其是他那标志性的复古与极繁主义风格，让整个系列充满了 Alessandro Michele 的印记。

然而这看似“那喀索斯式”的浓墨重彩，甚至一些人眼里的“本位主义”，并非浅表的自我宣叙，更像是一次从个体感知出发，重新定义何为美的本质的过程。

正如官方文本中提到——“美是一种揭示”，Michele 通过这个系列，将自己的设计哲学不断剖析，反复诠释，希望创作如同一面镜子，揭示出我们对自我、对世界的理解，同时也在“打碎”和’倒影“里，获得新生。

眼前的一切给我一种几乎是眩晕般，超现实主义的观感。也就是这一刻，你会意识到，这个男人回来了。

正如设计师在秀前采访所说：“这就是我，我不想成为别人。”

当我们将目光聚焦到本季时装设计中，我们依然可以感受到重回时尚舞台的 Alessandro Michele 是如何以自我感知为依托，捕捉属于 Valentino 的美学。

从第一套 look 开始，熟悉的古典华丽腔调便包裹着诸多 Valentino 档案中的经典元素出现在我们眼前，一场设计师对于老牌时装屋的研究，就此拉开序幕。

源自 Valentino 1990 秋冬高定系列的设计元素直观地出现在眼前，加以更体现轻盈的中长裙和蕾丝细节，赋予设计师的偏好。

而极富代表性的红色，则采取更为克制的手法，将其化作配饰，出现在造型下半部。

但也正是这样的手法，反而让这抹红成为造型里不可忽视的亮点，每次出现，必然夺取视线。

以这一年高定秀的作品为灵感，寓意颇深。

不仅因为这一季作品本身就足够丰富多元，也因彼时的 Valentino 正处于转型期。还在此前后推出了首个男装系列。

此举一方面可以凸显 Alessandro Michele 设计中堪比高定的精工细作，同时也暗含他想在此时同样为 Valentino 开启新篇章的雄心。

在本季中，亦有大量男装设计的呈现，与 90 年代的 Valentino 遥相呼应。

惊喜的是，男装中不仅加入了蕾丝手套这样代表无性别主义的单品加入：

西装细节之处的中式立领盘扣，也让我们多得一份亲切感：

90年代，是 Michele 在大秀一开始就向我们抛出的的第一条线索。

此后，那些藏匿在品牌档案中的经典造型便像一条时间线，串起了一段时尚往事，但叙事视角却是从未有过的。

连衣裙上的层状蛋糕褶皱，作为设计师的拿手好戏，在本季中频繁变换出现。

或长或短或不对称剪裁，带来梦幻的视觉体验。

在品牌 90 年代的设计中，你亦能发现这些熟悉的灵感。

Valentino 1990春夏高定系列

或是以风靡 60 年代的波尔卡圆点为装饰，去呼应那个孕育出 Valentino 的时期。

值得一提的是，在 Valentino 的历史中，波尔卡圆点也曾是一大标志性元素。

最妙的是，在 Valentino 1990 年春夏高定系列中，亦有同灵感作品。

对于这一些许褪色的品牌元素，Michele力图让其重现光辉，更细腻的表现形式让其成为服装上的细节。

塔夫绸上以圆形珠饰诠释：

或是为其赋予金属光泽，尽显波尔卡圆点魅力：

短款西装夹克同样承载了许多历史，被品牌偏爱的蝴蝶结元素成为外套上温柔的连接处。

Valentino 1986春夏高定系列

最吸睛的莫过于这一件重工、繁复的短夹克。

Valentino过去的极繁主义，在此时与设计师便好的审美意趣天然契合。

也是从这个 look 开始，独具情调的佩斯利花纹和植物图案，便时不时出现在造型之中，为本季大秀增添生动的自然色彩。

Valentino 1970年代作品

在秀后的 Resee 中，我们得以有机会更近距离欣赏服饰细节，你一定也会被这高超精细的工艺所惊艳。

Michele更特别从 Valentino 1997 年秋冬高定系列中提取出一款颇具异域情调的提花图案，在本季为其赋予新生。

它们甚至会化身为蕾丝刺绣，布满那些亲肤的单品之上。

比如一件层次感十足的织物镂空紧身衣，骄傲地展示出品牌的拿手好戏，凸显拜占庭式的华丽。

加上波西米亚式的长裙，为其赋予轻盈自由的动态美感。

这些代表自由的长裙在 70 年代也被品牌视若珍宝，如今被 Michele 加以独特印花，或是以皮草、流苏、羽毛点缀，看似混搭，实则具备更自由创意的内核。

荷叶边作为 Valentino 曾经作品里的经典元素，在这一季大部分时候是人文的载体。

Michele将其运用在领肩部，以此优雅姿态去诠释拉夫领。

Valentino 1980春夏系列

作为文艺复兴时期的贵族象征，它曾被伊丽莎白一世青睐，令这股时尚潮流蓬勃发展，不仅让拉夫领设计越发华丽，更推动了花边装饰的流行。

在 Valentino 2016 秋冬高定大秀上，这一元素也被赋予多种形态。

彼时那场大秀也是 Valentino 设计师二人组 Maria GraziaChiuri 与 Pierpaolo Piccioli 的最后一次合作。

因此，在本季中拉夫领的多样化运用不仅可以看作是设计师惯用手法的再现，也可以看作是对品牌过去的又一次致敬。

以轻柔的欧根纱打造，宛如云朵落在肩头：

又如绽放的花朵般热烈：

值得一提的是，这一象征温柔的元素也被运用在了男装设计中，以此去呼应设计师向来推崇的无性别主义。

当然，荷叶边也不缺乏更广泛的运用，将其点缀在袖口、腰间、裙摆各处，堆叠却不厚重，层次感十足。

60年代、70年代的娃娃外观也来到秀台之上，A字迷你裙，搭配上丝质手套、平底单鞋，复古摩登又满是甜美气息。

薄纱长裙亦不曾缺席大秀舞台，Michele在此将佩斯利花纹、刺绣、缎面蝴蝶结、荷叶边各式设计元素融会贯通，打造出一条条文艺奢美的礼服。

如此精彩细腻的成衣作品，让人愈发期待明年 1 月的 Valentino 高定系列，因为我们都知道，高定更是 Valentino 如鱼得水的境地。

如果了解 Alessandro Michele 履历的人们，一定不会错过配饰部分，作为曾经的配饰设计师，在本季依旧不负众望。

宽边帽子和头巾引人注目，亦与 90 年代的设计作品有所呼应。

Valentino 1994春夏高定系列

闪闪发光的耳环、项链独具装饰艺术风格，不论叠搭还是单独搭配，都足够有份量。

面部珠宝让人联想到一种更为当下的审美流行：穿孔艺术Piercing。

近来，大量年轻群体、偶像艺人偏好以 Piercing 去表达个性和态度。

70年代，它也曾在朋克浪潮、嬉皮运动中被年轻人们推崇，以此去表达他们的反叛和独立。

虽说如今 Piercing 更多与年轻文化关联，但其初期更多借鉴于传统文化，印度穿鼻、印第安羽毛穿额、阿非利加人骨穿鼻；在其他文化中，穿鼻也会被认为是对女神的尊重或是吉祥的象征。

以此背景带入 Valentino 大秀的解读中，更易懂得品牌对于“美”的解答。

“美”就是在不同年代、不同人群中有着那么不同的表现形式，而这一切，都将被 Valentino 所包容和赞颂。

包袋的部分同样话题度十足，一款独具雕塑感的猫咪手包，一经登台便引发关注。

而加入了铆钉和流苏元素的包袋，则呼应了在服饰上诠释的波西米亚风潮，这一股自然自由之风，想必不久之后便会吹向大众。

品牌标志性的 VLOGO 元素以类似黑色描边的形态出现在浅色包袋上，极简摩登且不可忽视。

包袋的搭配在本季也做出示范，一大一小、一款经典一款个性，叠搭碰撞出新个性。

大的这款是在早春系列新推出的 Viva Superstar 包包，其名字灵感来源于安迪·沃霍尔的缪斯詹妮特·苏珊·玛丽·霍夫曼，她的另一个称呼就是Viva。

另一款新包 9TO5 则更是通用语言的典范代表。包包采用了加垫的框架，勾勒出整个轮廓。皮革肩带可以调节，支持多种佩戴方式。

刺绣蕾丝袜以花卉和品牌 logo 装饰，展现出品牌一贯的精致细腻。

Valentino 1994春夏系列

将绑带化作蝴蝶结的高跟鞋，无疑是本季最吸睛的鞋款，铆钉元素的加入让其又有了一种绿叶的灵动。

低跟高跟鞋采用更为圆润的线条打造：

多款以拼色设计，怀旧感、少女感满溢，也带来难得的舒适性。

长靴设计则更显气场，时装上所出现过的波点、印花、植物元素、动物纹元素轮番登场，让人目不暇接。

本季时装作品，近乎是一场狂欢盛宴，热烈地展现出设计师和品牌对美的诠释，大方探讨“美是什么”这一时尚界永恒的问题。

显而易见的是，这个答案并不指向某一目的地，反倒是留下了一个开放式的结果，用多样化的设计手法告诉你：

美本就没什么目的，也不依赖逻辑。姹紫嫣红、繁花盛开、历史人文都很美，只要你被它点燃、温暖、疗愈，那你便遇见了美。

正如在秀前笔记中所写的那样，当我们短暂、不确定的命运中产生了痛苦，美可以成为其补救措施。

对美的追求为这场大秀提供了完整直接、酣畅淋漓的表达，也为时装造了梦，为我们每个人觅得了乐趣。

看过这场秀后，或许你的第一反应和我一样：Alessandro Michele回来了！透过屏幕，我们感受到现场观众情绪的高涨。

秀前，他接受 BOF 采访，少见坦诚地聊到自己。他认为成功存在于内心，而非外界，并直言：“I don’t like success; it’s not my word.（我不喜欢‘成功’这个词，它并不代表我的信念。）” 面对创作，他进一步表示：“如果无法在那个创作中感受到自己，那就不是真实的。”

作为从幕后走向镁光灯的时装大师，沉寂两年的Alessandro Michele，以诚挚而坚定的语气再次回应了“流行为何”的命题。

这场秀犹如一幅以 Valentino 档案为蓝本的精致画卷，而Michele的美学信念和人生哲学则是那支挥洒自如的画笔。Valentino的时装档案在当下语境里被赋予了新的生命。这是 Michele 从古典中汲取灵感，由 Valentino 接纳并发扬的意大利美学，两者相辅相成，相互激发与融合。

通过这场秀，我们还看到了 Michele 对自我宇宙的坚定信仰，感受到了他与生活的深刻相融。这些无形的财富，比任何服饰表面的光彩都更为珍贵，不容忽视。

正如 Michele 在采访中所言：“I’m almost the same person, the same guy, the same boy.（我几乎还是同一个人，同一个男人，同一个男孩。）”

这让我想起美国作家 Le Guin 的一句话：“The creative adult is the child who survived.（有创造力的成人是那些活下来的孩子。）”

本文图片来自网络，版权归所有者，文字为博主原创。

本期文字助理：Lily、Milo、Quinn

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