《歌手2024》已经经过了整整两期演唱，在这两期之中，出现了一个非常特殊的歌手——Yellow黄萱。他以中文爵士音乐的亮相，大大的增添了《歌手2024》的舞台丰富度，同时也抛出了两个严峻问题：华语音乐审美的断档问题（抒情曲风垄断现象已经统治华语20年），以及大众审美的滞后性（大众很难获得一些非抒情曲风的主流媒体宣发和体验）。

这一次黄萱的演唱，和其他歌手完全不同，展示了一次中文爵士的高光时刻，对于大众体现了一次爵士科普——惊艳之处在于：

1：人来疯式演唱，完全无视了一切声乐的规则：什么音色统一，什么喉位控制、什么稳定声线，什么白嗓不白嗓，都不存在。只有一句话：以摇摆作为呼吸的即兴技术。大量的拟声（以人声来模拟乐器）的即兴摇摆思维。每一个气口和呼吸，都有着强烈的张力反差，松弛度拉满，舞台性质从声乐思维走向了音乐风格的顶级思维演绎。

2：以完美的即兴能力，在稳定的音准、节奏、律动之中玩耍。黄萱的音准，是《歌手2024》之中最稳定的一个华语歌手，不是因为他唱的准，而是因为他的即兴能力足够兜底，随便唱都行，爵士没有跑调的概念。每一个假声挤卡的咬字，听起来都会为他捏一把汗，但是他就是可以做到每一个音的音色出乎我们的意料，但每一个音的音准有完美合理，具有四部和声的顶级即兴思维。即兴的坏处是：大众很难产生旋律的记忆锚点，但这就是爵士的美。

从黄萱的演唱之中，我们可以清晰得出一个答案：在华语流行抒情之外，是存在一种很好玩的音乐风格——中文爵士。虽然从唱法的角度，爵士会很难被大众接受，但，从专业视角来说，不论是声乐还是流行音乐市场，个人都认为：黄萱是目前《歌手2024》之中表现最佳的华语歌手，远远超出于那英等人。

黄萱的演出思路和音乐审美，将是未来的华语核心音乐方向之一。原因有两点：

1：黄萱的唱功，达到了爵士音乐风格的美感——完美舞台音乐感染力。可能你我的爸妈会感觉，黄萱就是在鬼叫，演唱毫无旋律记忆点。但实际上能把鬼叫叫如此的丝滑、律动感拉满、人声与乐器的拟声状态完美融合，这种风格就是爵士。爵士音乐的艺术底色：可控的放纵性和声乐、器乐大统一的融合性为主。用“很好玩的鬼叫”来形容黄萱的爵士很恰当。爵士的标准就是这样建立的，而黄萱做到了在爵士演唱之中的自我创造。

2：黄萱120%理解了——唱功是音乐风格的产物，唱功是音乐风格美感体现的手段。有很多朋友会认为：唱功声乐咖是通吃全部音乐，但实际上每一个唱功顶级的歌手，他都必定要有一个非常明确的音乐风格。而评价唱功的好坏，其实都是建立在音乐风格审美之上。必须有音乐风格，才能评判唱功的好坏。因为：唱功的市场逻辑利润点，就是基于音乐风格的大盘。

我们评判那英、汪苏泷、海来阿木、杨丞琳等人的唱功好坏，也都是基于他们各自的音乐风格来评判，具体是是：

所以唱功最终体现的，并不是单纯的人声，而是音乐风格的整体体验，所以唱功好坏的标准其实在编曲确定的曲风之中。这也是黄霄云为什么总是出戏的原因，黄霄云大部分的美声高音逻辑，是不适合流行思维的，审美是断档，音乐风格是跨界，跨界就意味着非主流。单纯的高音歌手，真的一抓一大把。而黄霄云在美声专业上又无法获得职业化的成就。音乐风格上就架住了，只能翻唱，或者走网络风。

所以，真正的顶级唱功歌手，他们都有一个共同特征：唱功是为了更好的表达音乐风格的声乐审美逻辑。具体审美是：R&B的转音+反拍律动+紧张音色+芯体声线丝滑度、爵士的即兴+松弛度+拟声状态+摇摆、摇滚的真声+力量+思想性、流行的娱乐性+抒情性+传播性等等；

爵士，是一个对于华语音乐来说非常陌生的音乐风格，我们仅仅知道的爵士歌手在黄萱之前只有一个人：李泉。是的，那个上海音乐学院钢表专业的大佬，他的爵士风格实际上可以作为一种学院派爵士的逻辑：无高音、大量压喉，旋律弱化，偏保守、下行的即兴。这也导致了李泉在《歌手》舞台上，其实很容易被人遗忘，也很难展示出爵士真的即兴美感。

那么黄萱的唱功和李泉最大的差别：拥有着大量即兴的上行能力，也就是高音声部的即兴华彩。上行对于爵士来说真的太重要，没有上行的高音拟声能力，基本上无法完成爵士的真正色彩。

爵士演唱的逻辑是两点：

1：以即兴为主，要求歌手感知现场、追求自我的灵感，想怎么唱怎么唱。而即兴就意味着：唯一性，舞台之后的第二次舞台不会和这一次一样。

2：摇摆思维，爵士的节奏属于摇摆定位。摇摆的好处是：强弱分明，不管歌手怎么唱，都可以在后续的节奏之中完成个人风格的即兴演绎。摇摆的节奏结果只会诞生：反拍、正拍、强拍和弱拍，以及切分拍。而不管是哪一拍都可以作为即兴的一种——旋律即音阶、随性即节奏。

即兴+摇摆，这就是爵士基本思路。那么在声乐上，黄萱演绎的爵士唱法的思路就是以爵士演唱的逻辑为核心：一切以即兴和摇摆作为目的，音色、音域、腔体、气口、呼吸都是为了即兴和摇摆节奏逻辑。那么这就会诞生第一个爵士唱法的技巧：

SCat（拟声唱法）：以人声来模拟乐器的快速切分即兴元音咬字，无歌词。这种拟声乐器的唱法，大部分用于——爵士歌手忘记了歌词的时候，但又需要宣泄情绪之时，完全可以取代歌词。那么这样就导致一个非常严重的审美问题：歌词对于华语音乐而言过于重要。而爵士恰恰弱化歌词的意义。

黄萱在舞台上唯一表现的爵士唱法技巧只有一个：Scat。甚至拟声的单人Solo时长来到40秒以上，整体完成度其实尚可，但是在爵士圈肯定是不能算作顶级，好在氛围较好。那么，我们可以从黄萱身上得出——爵士乐在声乐之中的基本艺术审美观：弱化声乐的概念。

爵士乐是一个完全弱化所谓声乐标准的唱法。爵士乐追求一种大统一：没有所谓跑调的概念，所有的旋律都是一种音阶的表现，所有的节奏都是一种摇摆的前后变奏。同样，所有的咬字，所有的腔体，所有的声带闭合都是一种随心而欲自我反应。只需要满足基本的要求：即音阶和摇摆提供的即兴思维，即可。

本质上，这是一种非常超前和小众的审美艺术观，因为这样做就丧失了市场的供给需求。不再具有受众的喜好迎合主动性，必然导致这个曲风成为了一种：艺术性的逻辑，每人都可以唱，但是什么是好？市场是无法提供出一个可以量化的标准，无法诞生这种流行音乐一眼可见的咖位分层。

那么，这就诞生了一个新的逻辑——舞台感染力。是的，爵士音乐最终拼的都是舞台感染力，唱功对于流行音乐的重要性，在爵士这里是不存在。但是任何音乐的目的都是感染力，恰恰爵士就是直接跳过了所谓声乐的标准来到了感染力的终点。那么最终，我们去判断黄萱的舞台，实际上就跳过所谓的条条框框，直接去看他的感染力表现。

而舞台音乐的感染力，声乐仅仅是一部分，或者是是大部分的歌手主要能力表现。但是在黄萱身上，我们看到了一个新的爵士感染力源头：自信的人来疯式投入性。爵士音乐的好与坏，和歌手的投入性成正比，黄萱本人就是属于那种玩得开，投入性大，毫无包袱的状态。那么这种投入性，会导致了一个感染力现象：玩音乐的快乐。

所以我们总结一下：黄萱的爵士舞台，做到了玩音乐的单纯快乐，这是一个人生音乐观的终点体验。音乐的美妙就是在于快乐自己，从来不是去评判音域比高低。所以爵士音乐的受众门槛是很高的，大部分都是业内人士，将音乐作为工作一部分的人士，尤为喜欢爵士。因为快乐真的太难了，而他们看到了足够多的音乐风格，拥有较高的音乐素养。这你就不得不提一部电影——《爱乐之城》，其实是一样，爵士的美在于当下单纯的快乐。

综上，黄萱的唱功其实是他对于快乐的一种体现，而这种以快乐为主的爵士思维，在华语音乐还是较为稀有的产物。希望未来，每一个华语音乐的受众都可以找到了自己快乐的音乐源头，跟着爵士的摇摆舞动起身体，而不是单纯的期待着人声。